Concert baroque novembre 2023

mercredi 22 à 20h et dimanche 26 novembre à 15h.

Gloria, Antonio Vivaldi (1678 – 1741)

Est-il personnage plus connu et plus mystérieux qu’Antonio Vivaldi ? Sa musique a désormais traversé les siècles et les continents, et pourtant, c’est ce même compositeur qui meurt dans l’anonymat le plus total, entraînant dans le néant la majeure partie de son oeuvre, avant la résurrection musicologique du début du XXe siècle. Vivaldi semble s’amuser à compliquer la tâche de qui voudrait trop ordonner son existence. Il exerce simultanément tous les métiers, il pratique ensemble tous les genres musicaux, sautant de l’église au théâtre, du concerto à l’opéra, ludion facétieux refusant les tiroirs habituels du biographe. Reconnu comme un prodigieux virtuose du violon, il donne sa forme définitive au concerto que presque tous les compositeurs européens, du plus petit au plus grand, vont adopter. Son oeuvre protéiforme, riche de centaines de pièces, comporte certes beaucoup de redites et de formules toutes faites, mais aussi des merveilles d’invention, de fraîcheur, de poésie et de vivacité.

Fragment sans doute d’une messe plus solennelle, le Gloria RV 589 (à ne pas confondre avec le Gloria RV 588) fut créé en 1713 et chanté pour la fête de la Visitation de cette même année, à l’Ospedale della Pietà de Venise, probablement pour marquer la prise de fonction de Vivaldi en tant que maître de chœur.

C’est l’une des meilleures approches de ce qu’était la musique religieuse italienne au début du XVIII^e siècle, composée pour valoriser la prière connue des pratiquants. Il porte la marque de fabrique du Vénitien avec son lyrisme éclatant, ses procédés violonistiques, ses passages obligés au style religieux, sa façon de traiter l’orchestre, ses ornements et sa vivacité rythmique.

Ce Gloria a été composé pour alto, soprano, chœur mixte, orchestre à cordes, trompette, hautbois et basse continue. Il met en valeur les voix de femmes : tantôt elles alternent avec les chœurs, tantôt elles sont en duo avec un instrument comme dans le Domine Deus, Rex cœlestis où une soprano dialogue avec un violon ou un hautbois. Le compositeur se comporte avec une grande liberté face au texte sacré. Il lui arrive de diviser un verset en deux mais aussi d’en regrouper plusieurs en un seul épisode musical. Il obtient ainsi douze parties là où le plain-chant grégorien en compte dix-sept. Par son enthousiasme et son sentiment religieux profond, Vivaldi a su donner à ce texte magnifique un éclat extraordinaire. Sa renommée en fait très certainement l’œuvre pour chœur et orchestre la plus emblématique du « prêtre roux ».

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Te Deum, Charpentier (1634 – 1704)

Marc-Antoine Charpentier fut, après Lully, la figure la plus marquante de la vie musicale française de la fin du XVIIe siècle, avec une production prolifique de musique profane et sacrée.

Dans sa jeunesse, il étudie à Rome avec Giacomo Carissimi, acquérant une précieuse expérience directe de l’opéra et de l’oratorio, deux formes relativement nouvelles à cette époque. De retour dans son Paris natal, il met à profit ses compétences, composant dix-sept opéras et une grande quantité de musiques religieuses. On ne compte plus ses messes, psaumes, hymnes, leçons de ténèbres et autres motets. Poursuivant la voie ouverte par Carissimi, il apporte en France l’oratorio dramatique, réussissant une singulière et admirable synthèse des styles italien et français.
Entravé par son rival, le tout-puissant Lully, très peu édité de son vivant, il tombe dans l’oubli après sa mort. Il faudra attendre 250 ans pour que la redécouverte de son oeuvre au début des années 1950 replace le compositeur au coeur de l’attention musicale française. Sa plus grande victoire aura lieu à la télévision. En 1954, le prélude du grand Te Deum en ré majeur H.146 est choisi comme indicatif des émissions internationales en Eurovision. Le thème précède notamment le célèbre Concours Eurovision de la chanson depuis 1956. Charpentier prend depuis une belle revanche sur Lully, car il est maintenant le musicien baroque français le plus joué et le plus enregistré.

Poèmes en prose à la louange de la bonté du Seigneur, les Te Deum du Grand Siècle accompagnaient les moments d’allégresse nationale, victoires militaires, guérison du Roi après une maladie, naissance d’un héritier royal. Le Te Deum H.146, qui date d’environ 1692, a probablement été composé pour célébrer la récente victoire française à Steinkerque le 3 août 1692.

L’œuvre est écrite en ré majeur, tonalité gaie et éclatante (qualifiée par Charpentier de « joyeuse et très guerrière”) et que les compositeurs français baroques affectionnaient pour mettre en musique un Te Deum. L’écriture orchestrale est brillante et l’effet puissant obtenu par divers moyens. D’abord, le musicien utilise un orchestre instrumental beaucoup plus important que n’importe quel compositeur français de musique religieuse précédent. En outre, il exploite au maximum la technique baroque habituelle consistant à opposer des forces orchestrales et chorales complètes à des voix solistes accompagnées de quelques instruments seulement. Enfin, et c’est peut-être le plus important, Charpentier y déploie une remarquable capacité à fusionner les éléments contradictoires du drame et de la dévotion en un tout unifié, associé à un sens instinctif de l’éclat cérémoniel.

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Zadok the Priest, Haendel (1685 – 1759)

Compositeur allemand, naturalisé britannique, Haendel ou Händel personnifie souvent de nos jours l’apogée de la musique baroque au côté de Bach. Aussi cosmopolite qu’elle soit – mêlant dans le creuset des traditions britanniques la rigueur du contrepoint allemand, la virtuosité italienne, les ouvertures et les danses françaises –, sa musique incarne l’Angleterre georgienne, puissante, énergique et optimiste, comme celle de l’Italien Lully avait pu représenter, une génération plus tôt, le modèle du style français. C’est Haendel qui inventa et promut l’oratorio en anglais. Généralement composé pour voix solistes, choeur et orchestre, avec parfois un narrateur, le sujet de cette œuvre lyrique dramatique est le plus souvent religieux et représenté sans mise en scène, ni costumes, ni décors.
Zadok the Priest est l’un des quatre hymnes de couronnement (Coronation Anthem) commandés à Haendel pour le sacre du roi George II de Grande-Bretagne en 1727. Depuis lors, cet hymne est chanté lors de chaque cérémonie de couronnement britannique, traditionnellement lors de l’onction du souverain, comme dernièrement pour celle de Charles III.

Il semblerait que Haendel se soit inspiré d’un hymne écrit en 1685 pour le couronnement d’un ancien monarque anglais, Jacques II. Les paroles sont dérivées d’un texte biblique. Il s’agit du récit du sacre du roi d’Israël Salomon dont Sadoq est le grand prêtre du temple. Mais le texte n’est pas directement cité. Haendel s’est contenté de paraphraser la description biblique pour en faire un chant court et mélodieux.

Zadok the Priest est écrit pour un choeur de six voix et un orchestre composé de hautbois, trompettes, bassons, violons, timbales et continuo. Dans une longue introduction, vingt-trois mesures d’arpèges de cordes en crescendo préparent, comme une marche irrésistible, l’entrée monumentale du choeur. Puis le drame est suggéré sur des notes plus longues par le choeur qui chante ensuite la deuxième phrase d’une seule voix, sur un rythme saccadé. Le final, entrecoupé par des Amen, culmine avec des cris de joie sur l’Alléluia. Il se conclut sur un adagio subit et spectaculaire, tel que Haendel les affectionnait pour clore nombre de ses oeuvres. Le succès de cette composition est tel, qu’elle fut de nombreuse fois détournée pour une utilisation plus populaire. C’est ainsi que l’hymne de la Ligue des Champions a été composé en 1992 par Tony Britten en prenant pour modèle Zadok the Priest.